BILLIE HOLIDAY

  
 Billie Holiday Entre las voces femeninas del jazz, (1915-1959), constituye un caso singular por lo azaroso de su vida contada por ella misma en su famosa autobiografía titulada: "Lady Sings The Blues". En ella, Billie Holiday relata como fue su vida desde la misma infancia: violación, acusaciones de prostitución, reformatorios, alcohol, drogas, racismo, cargos por tráfico de estupefacientes, cárcel, inhabilitación para cantar y, por último, la muerte. 

     Eleanora Fagan, que así se llamaba en realidad, nació en el gueto negro de Baltimore y su padre, Clarence Holiday tocaba la guitarra y el banjo en la banda de Fletcher Henderson. Se interesó por la música a los diez años influenciada por Bessie Smith y Louis Armstrong, cuando los escuchaba en el gramófono de su casa a ambos.  
 En 1930, recorriendo Harlem en busca de trabajo, entra en un pequeño club que se llamaba: "Pod's and Jerry's" situado en la Calle 133, ofreciéndose como bailarina. El resultado de la prueba es un desastre y a instancias del pianista se atreve a cantar. Cuando canta "Trav'lin All Alone", las conversaciones en el bar se paran y ahí empieza todo. En 1933, John Hammond, productor musical va a oírla cantar en el club "Log Cabin" y maravillado, habla con Benny Goodman quien el 27 de noviembre de aquel año le abre para toda la vida las puertas de un estudio de grabación. 

     Con Goodman, permanece poco tiempo y empieza a cantar en clubes mas importantes. Actúa en el famoso "Apollo Theatre" y es contratada por Joe Glaser, el manager de Louis Armstrong. En 1935 aparece cantando con la orquesta de Duke Ellington en la película "Simphony in Black" e inicia una larga y fructífera relación musical con el pianista Teddy Wilson en el sello Columbia. Con Wilson graba cerca de un centenar de canciones y junto a ella tocan los grandes solistas de la época: Ben Webster, Johnny Hodges, Bunny Berigan, Roy Eldridge y sobre todo, Lester Young, con quien alcanzaría una simbiosis creativa del que se encuentran pocos ejemplos en la historia del jazz.

     También cantó en la orquesta de Count Basie en 1937 y en 1938 con Artie Shaw, pero el mundo de las grandes orquestas no era el suyo y sus experiencias como vocalista de bigband entre 1936 y 1938 no le dejaron grandes recuerdos. Holiday, se transformó en una estrella de los escenarios de los clubes de New York a principios de los 40, y consigue un contrato de larga duración en el famoso club del Greenwich Village, el "Café Society", regentado por el judío, Barney Josephson, antirracista y de ideas claramente progresistas. Billie tenía solo veinticuatro años y ya era una cantante objeto de culto entre sus seguidores.

     En 1943, ganó por primera vez la encuesta de críticos organizada por la revista "Esquire" por delante de Mildred Bailey y de Ella Fitzgerald y al año siguiente grababa para el pequeño, pero selecto sello Commodore, una serie de temas magníficos entre los que destaca su emblemático "Strange Fruit" un alegato antirracista demoledor y el maravilloso "Fine and Mellow" un hermoso blues. En 1945, se casó con el trompetista, Joe Guy, también adicto a la heroína y en agosto de ese año, grabó la versión de referencia del tema "Don't Explain" uno de sus canciones mas hermosas. 1946 la vio participar en un concierto en el teatro neoyorquino Town Hall y la aparición en una película junto a Louis Armstrong, titulada, "New Orleáns", interpretando el papel de una sirvienta. 

     Sin embargo, la historia de su vida va cuesta abajo a partir de 1950. Cantó en Chicago con Miles Davis y se reencontró con Lester Young en Philadelphia. Norman Granz la contrató para su sello discográfico y también la incluyó en las giras del JATP y en 1953, viajó por primera vez a Europa. A su regreso, ingresó voluntariamente en una clínica para intentar rehacer su vida y tuvo una efímera recuperación que aprovechó para reaparecer en un capitulo televiso dedicada a las "Siete Artes" de la CBS titulada "The Sound of Jazz". El memorable y estremecedor "Fine and Mellow" que cantó acompañada de Lester Young puede considerarse un hito en la historia del jazz. El álbum de 1958, "Lady in Satin", encontró a la artista de 43 años de edad haciendo grandes esfuerzos para cantar como en los mejores tiempos, y al año siguiente falleció. Cuatro meses antes, lo había hecho su admirado Lester Young. 

     Su muerte pareció una cruel burla del destino; moribunda e inconsciente en la cama del hospital, la policía intentó esposarla acusada de consumir heroína mientras agonizaba.   

DUKE ELLINGTON

  Edward Kennedy "Duke" Ellington nació en el seno de una familia que nunca pasó necesidades económicas ya que su padre era mayordomo de una casa de gente adinerada y su madre procedía de una familia negra acomodada. Recibió además de una excelente educación burguesa un porte de elegancia aristocrática que llevaría durante toda su vida, de ahí el apodo de "Duke" (Duque) que le pusieron sus amigos. Su educación musical empezó con el piano de su madre y aunque recibe clases de dos profesores, todavía tardaría bastante tiempo en aprender a leer música. En 1919 abandona los estudios de diseño y decoración, decide casarse con con una amiga de la infancia y busca en la música su profesión.

     Es en 1921 cuando Duke Ellington, forma su primer y propio grupo con músicos locales al que llamaría "The Duke's Serenaders" primero y luego los famosos "The Washingtonians" con Elmer Snowden, como responsable de la banda. En 1923, deciden dar el salto a New York y la experiencia no es muy positiva pero logran tocar durante algunas semanas en la banda de Wilbur Sweatman, que actuaba en el "Lafayette Theatre". Tras algunas idas y venidas de Washington a la Gran Manzana, consiguen un contrato en el club "Hollywood" donde una noche los escucha tocar Bix Beiderbecke quien observa con gran atención el sonido de la sordina "wa-wa" que producen el trompetista, Bubber Miley y el trombonista, Charlie Irvis. Ese particular sonido sería decisivo en la elaboración del discurso musical de Duke Ellington.

     En 1924, con los conocimientos musicales muy perfeccionados, la WHN, una emisora de radio local transmite el show desde el Hollywood club que ahora ha cambiado de nombre y se llama "Kentucky Club". la banda comienza a ser conocida y empiezan a salirle contratos en otras ciudades cercanas a New York. Entre 1924 y 1926 se incorporan a la banda músicos decisivos en la orquesta de Ellington, entre ellos, temporalmente el clarinetista, Sidney Bechet y el saxo barítono, Harry Carney, el primer gran especialista de ese instrumento en la historia del jazz y que permanecerá con Ellington toda su vida. Esta es la orquesta que en 1927, con una sólida formación, bien rodada y con sonido propio, daría el gran salto a la fama cuando fueron contratados para tocar en el "Cotton Club" de Harlem, un local regentado por el gangster, Owney Madden, desde 1923 y que se había puesto de moda en New York hasta el punto que era frecuentado por publico exclusivamente blanco, gente de dinero y de la alta sociedad neoyorquina. Allí estuvo cuatro años y cuando salió en 1931, estaba recubierto de gloria. 

     Entre 1927 y 1945, después de crear para el jazz el "jungle style" Duke Ellington y su orquesta alcanzan en este periodo la cumbre de su madurez artística y creativa. La orquesta de Duke Ellington en los años cuarenta  era sin duda la que poseía los mejores solistas y los instrumentistas mas virtuosos de la época y la revista Down Beat le situó en varias ocasiones por refrendo popular por encima incluso de la de Benny Goodman. Tras el declive de las bigbands, Ellington, fue el único líder de orquesta que nunca disolvió la suya. A falta de contratos pagaba a sus músicos con los dineros ingresados por sus derechos de autor y utilizaba su orquesta para componer con ella y oír su música. Pero algunos de sus solistas se marcharon entre finales de la década de los cuarenta y principios de los cincuenta para iniciar sus carreras en solitario. A la marcha de Ben Webster, Barney Bigard, Tizol y otros, se unió una definitiva en 1951, la de su amigo, Johnny Hodges. La prensa que antes no le escatimaba elogios, anunciaba casi a diario la desaparición de la orquesta.

     En 1955 vuelve  a la banda Johnny Hodges y Ellington respira aliviado y entran en nomina una serie de músicos que darían todavía mucho juego al sonido Ellington. Entre las incorporaciones mas sonadas, están los saxofonistas, Paul Gonsalves y Jimmy Hamilton, el clarinetista, Russell Procope, el trombonista, Quenti Jackson, y los trompetistas, Cat Anderson y Clark Terry. Con estos músicos y cierto escepticismo, Ellington es invitado a actuar en el Festival de Jazz de Newport de 1956. Lo que pasó aquella noche está escrito en los anales del jazz. Duke Ellington, sacó de su chistera creativa dos temas compuestos en 1937, "Diminuendo in Blue" y "Crescendo in blue" y decidió encima del escenario servirlos unidos, separándolos simplemente con un interludio a cargo de Gonsalves. Y ahí se produjo el milagro. Los arrolladores veintisiete "chorus" seguidos de jazz puro y duro que improvisó el saxofonista, empujado por una rítmica ejemplar le dieron la vuelta al historia. Las sillas volaban por encima de las cabezas de los atónitos y rugientes espectadores y a la mañana siguiente toda la prensa anunciaba en grandes titulares "Ellington ha vuelto"

     A partir de ahí comenzaron las giras, los conciertos por todo el mundo, los discos grabados y en los últimos diez años de su vida se dedico a componer suites y conciertos sacros y su vida se apagó cuando el 24 de mayo de 1974 un cáncer terminó con su vida. Ellington ocupa para siempre, el trono de los mas grandes creadores del jazz junto a Louis Armstrong y Charlie Parker, y es sin duda alguna uno de los mas grandes compositores del Siglo XX cualquiera que sea la música que se considere y su legado es una herencia cultural que permanecerá siempre entre nosotros. 

B.B.KING

   

  B.B. King nació en el seno de una familia pobre en el Delta del Mississippi el 16 de septiembre de 1925 cerca de un pueblo llamado Itta Bena. Hijo de dos trabajadores de la tierra, Albert y Nora King, fue bautizado Riley por el hermano de su padre. De aquella epoca le quedo el apodo de Bibi (BB) por la manera en que su padre llamaba a su hermano menor (Baby Brother).

     Tanto su madre como su abuela eran personas muy religiosas por lo que asistía regularmente a los servicios religiosos de su comunidad. Fue en la iglesia de Klimicheal, donde King tuvo sus primeras influencias musicales. El pastor acostumbraba a usar la música para unificar a su congregación y el sonido de su guitarra fascinó al joven King quien aprendió del pastor a tocar las cuerdas de ese instrumento. En Klimicheal, consiguió trabajo en la casa de una familia blanca, lo que le permitió ahorrar dinero para comprar su primera guitarra. A inicios de 1943 se trasladó a a Indianola (Delta del Mississippi)  donde consiguió trabajo rápidamente en la plantación de Johnson Barret como recolector y tractorista. En aquella ciudad formó su primer grupo compuesto por cinco voces masculinas, una era la de su primo Birkett con quien había cantado en el coro de la iglesia. El grupo se llamó "The Famous St. John's Gospel Singers" y King les acompañaba con la guitarra mientras cantaban en las iglesias cercanas. Algun tiempo después partió rumbo a Memphis con su guitarra y unos pocos dólares en el bolsillo. Allí buscó a su primo Bukka White a quien había visto por última vez cuando el músico de blues visitaba a su familia. Durante los próximos diez meses, su primo lo educó en el arte del blues en sesiones de improvisación privadas. Allí, King aprendió desde sostener la guitarra hasta cómo hacer frases. Así, empezó a ganarse la vida como músico, tocando con otros bluseros de la zona.

     En Memphis fue a buscar a un disk jockey que conoció en Indianota: Sonny Boy. Lo convenció de que le dejara interpretar una canción en su programa. Sonny aceptó y lo presentó a la audiencia como un nuevo talento... la radio recibió tantas llamadas que Sonny inmediatamente organizó un evento en uno de los locales mas prestigiosos de la zona, el Salón de Miss Annie. Con el salón abarrotado, el éxito fue absoluto  y la propietaria del local le dijo a Riley que siguiera viniendo a tocar, pero bajo la condición de que se promoviera en la radio. En ese momento la radio más importante para la comunidad negra era la WDIA. Allí fue Riley King a pedir que se le diera un espacio. Uno de los dueños de la emisora, Bert Ferguson, le propuso que podía tocar durante diez minutos lo que quisiera siempre y cuando mencionara a un tónico que acababa de entrar como patrocinador. La frase de King para la marca fue: "Pepticon, Pepticon, seguro que es bueno, Puede conseguirlo en su barrio."

     La frase se hizo tan popular que King fue conocido como el "Chico Pepticon" y su programa se llamó "Sepia Swing Club". Ahora que era famoso, necesitaba un nombre pegajoso y fue cuando se acordó del BB King de su tío, solo que cambió el significado de las siglas y se puso "Blues Boy King" que luego se acortó a B.B. King. Ahora, siendo conocido, podía empezar a grabar y en 1949 grabó su primer disco para Bullet Recording and Transcription Company. El disco llamó la atención de una compañía más grande llamada Modern y en 1949 B.B King, firmó un contrato que duró 10 años. A finales de 1949 se estaba presentando en un pequeño club de Arkansas cuando se inició un incendio. Cuando reaccionó su guitarra estaba adentro y tuvo que entrar a rescatarla valientemente. Con el tiempo se enteró que el fuego empezó cuando una lámpara de canfín fue tirada al piso porque dos hombres peleaban por una mujer llamada Lucile. Desde ese entonces, su guitarra se llama Lucile. 

     Terminaba 1951 y el séptimo sencillo de King, "Three O'Clock Blues", una balada compuesta por Lowell Fulson, entraba con mucha fuerza en  las listas del Rhythm and Blues de Bill Board. En enero del año siguiente, el tema ya era número uno en esa lista y ocupó esa posición durante 15 semanas consecutivas. Ese éxito le permitió negociar un contrato con Universal Artists de Nueva York que le garantizó presentaciones en los mejores locales de Washington, Baltimore y en el famoso teatro Apollo de Harlem. 

     La aparición del rock and roll hizo que muchos músicos negros como Little Richard, Fats Domino, James Brown o Chuck Berry se convirtieran en estrellas, ablandando de alguna manera las barreras raciales. Quizás favorecido por ello, en 1969 tuvo su primera aparición en televisión cuando Johnny Carson lo invitó al "Tonight Show" y dos años después, en 1971, apareció en el programa de Ed Sullivan, uno de los de mas audiencia de los Estados Unidos. A finales de los 80, el grupo U2 pidió a BB King que grabara una canción con ellos para el disco "Rattle and Hum", lo que le proporcionó la oportunidad de que su música fuera apreciada por un auditorio mas juvenil. Durante más de sesenta años en la carretera, BB King, ha recibido cerca de 20 Grammys, reconocido en el Salón de la Fama del Rock and Roll, ha recibido la Medalla Presidencial de las Artes de Estados Unidos y ha sido Honrado por el Kennedy Center. A inicios de los 90 abrió su propio club en Memphis y en el 2000 abrió un bar en Nueva York. Aún a su edad B.B King sigue siendo el punto de referencia para el blues y el arte de la improvisación en la guitarra.

NINA SIMONE

 

Eunice Kathleen Waymon nombre real de Nina Simone, nació el 21 de febrero de 1933 en Tryon, Carolina del norte. Era la sexta de ocho hermanos dentro de la familia de un obrero manual y una sirvienta doméstica. Niña prodigio, ya tocaba el piano a la edad de cuatro años y junto con sus hermanas cantaba en el coro de la iglesia metodista que su madre dirigía. En 1943, cuando tenía 10 años, dio su primer concierto de piano en la biblioteca de la ciudad. Allí conoció su primer aplauso y su primer choque con el racismo: durante el concierto quitaron a sus padres de la primera fila del local para acomodar a un grupo de blancos. Este episodio fue la primera de una cadena de experiencias traumáticas para ella, y está, sin duda, en el origen de su compromiso con la lucha por la libertad y por las reivindicaciones de los negros en Estados Unidos.

     Con la ayuda económica de su profesor de música pudo estudiar en la escuela de música "Julliard" de Nueva York, y de allí su familia se trasladó a Filadelfia, donde intentó conseguir una beca para el Instituto Curtis, pero fue rechazada por el color de su piel. A pesar de que tenía una formación pianística clásica, para mantener a su familia tuvo que empezar a trabajar en 1954 en un club de Atlantic City como cantante. Fue entonces cuando cambió su nombre por el de Nina, tomado del castellano para definirse como "la pequeña" y Simone, de la actriz francesa Simone Signoret de quien era admiradora.

     En 1959 grabó sus primeros discos para el sello Bethlehem. En ellos dio muestras notables de su talento como pianista, cantante, adaptadora y compositora. Algunas canciones se convirtieron en clásicos de su repertorio. La canción I Love You Porgy, de la ópera Porgy and Bess, de Ira y George Gershwin, le convirtió de golpe en una estrella, vendiendo un millón de copias. Desde estos primeros registros, su repertorio se llenó de jazz, gospel, blues, soul, música clásica y canciones populares de origen diverso, recorriendo una gama muy amplia en su repertorio en una amalgama totalmente personal, cálida y de enorme expresividad. Su forma de tocar el piano es decisiva en muchas de sus interpretaciones, pero especialmente en la conocida My Baby Just Cares For Me. 

     La influencia de Duke Ellington es patente en toda la obra de Nina, pero muy especialmente en este tipo de composiciones rebosantes de improvisación y de cercanía espiritual. Nina logra la complicidad del oyente con un empleo intencional de los silencios y minimizando el acompañamiento. Su voz a veces sólo susurra, pero luego grita o gime, transmitiendo todas las sensaciones que el alma humana es capaz de experimentar. Militante del movimiento de Panteras Negras, otro impresionante tema suyo, Young, gifted and black (Joven, dotado y negro), inspirada por Lorena Hansberry, se convirtió en el himno afroamericano. Fue también una estrecha colaboradora de James Baldwin, Sammy Davis Jr. y Harry Belafonte.

     Harta del racismo y del estercolero del mundillo musical americano, Nina renunció su país en 1969, tras el asesinato de Martín Luther King. En 1974 se fue a Barbados y durante los años siguientes vivió en Liberia, Suiza, París, Holanda y finalmente en el sur de Francia, en donde residía hasta el día de su muerte ocurrida el pasado 21 de abril de 2003. En 1978 fue detenida a causa de su boicot al pago de impuestos para financiar la guerra de Vietnam. En 1984, la canción de su primer disco, "My Baby Just Cares For Me", se convirtió en un éxito enorme al aparecer en el anuncio televisivo de un perfume de Chanel. La canción había sido escrita para la película musical "Whoopee" en 1930, una obra de Thornton Freeland y Eddie Cantor que fue cantada y bailada por Ethel Shutta. Luego, en los años 50 la canción estuvo en el repertorio de Frank Sinatra. Nina la grabó en su primer álbum, publicado en 1959. 

ELLA FITZGERALD

Ella Fitzgerald nació el 25 de abril de 1917 en Newport New (Virginia) y musicalmente comenzó su andadura cuando el 21 de noviembre de 1934, animada por su madre, se presenta a concursar como bailarina en el célebre concurso "Amateur Night Show" que semanalmente organizaba el Theatre Apollo de Harlem. cuando le toca salir a escena, paralizada por el miedo, opta por ponerse a cantar. Todos los presentes quedaron entusiasmados por esa joven de 16 años que canta con naturalidad, frescura, y además con un sentido del ritmo envidiable. Su actuación es una autentico triunfo, se lleva el primer premio y tiene la suerte de que entre los presentes aquella noche en el Apollo, estaba el arreglista y saxofonista alto, Benny Carter.

     Impresionado por aquella niña, Carter intenta convencer primero a Benny Goodman, y luego a Fletcher Henderson, para que la contraten en su orquesta. Por fin, es el "jorobado", Chick Web, quien se decide a contratarla. A partir de ahí, Ella Fitzgerald, se convirtió en la cantante habitual de la gran orquesta de Chick Web. A la muerte de aquél, Ella Fitzgerald decidió quedarse en la orquesta y a partir de entonces, aquella bigband, se denominó, "La gran orquesta de Ella Fitzgerald". En 1942, cansada del trabajo que suponía dirigir la orquesta y cantar diariamente, disuelve la formación.

     Su camino se cruza con Louis Armstrong, con quien grabará unos discos memorables, y de donde aprende el difícil arte del "scat", dejando muestras imperecederas de ese arte en temas como: "Lady Be Good", "How High The Moon" o su primera versión de "Flying Home". A partir de 1949, entra en contacto con Norman Granz, un empresario amante del jazz y que organiza por todo el mundo las famosa giras conocidas como el "J.A.T.P". Con la "Jazz At The Philharmonic", actúa con los mas grandes instrumentistas del jazz en todo el mundo y logra que toda la critica le reconozca con el titulo que ya siempre le acompañó: "First Lady Of Song" (Primera Dama de la canción). Firma en 1956, un contrato con el sello Verve que la hará todavía mas popular si cabe.  

     Sus encuentros con músicos de jazz, dieron lugar a discos y grabaciones memorables. Las colaboraciones de Ella Fitzgerald, con las orquestas de Duke Ellington, o Count Basie, los tres discos que grabó con Louis Armstrong, o sus álbumes con Oscar Peterson, Tommy Flanagan, o Jimmy Rowles, acompañada por su trío habitual, son autenticas obras de arte. Pero sin lugar a dudas, el legado musical de Ella Fitzgerald, está contenido en los discos titulados genéricamente como "Song Books"

     Los "Song Books" de Ella Fitzgerald, fueron grabados a lo largo de ocho fructíferos años. Los libros de música, fueron dedicados a: Cole Porter (1956); Rodgers & Hart (1956); Duke Ellington (1957); Irving Berlin (1958); los hermanos, Gershwin (1959); Harold Arlen (1961); Jerome Kern (1963) y Johnny Mercer (1964). 

     Ella Fitzgerald visitó España varias veces. La última de ellas fue en el verano de 1983 durante los festivales de jazz de Vitoria y de Palma de Mallorca respectivamente y de nuevo acompañada por su trío con el guitarrista, Joe Pass de invitado, ofreció un repertorio cuidadosamente escogido y manejado con la pericia de una cantante de sesenta y seis años de edad. En toda la historia del jazz, no ha existido una vocalista femenina que haya podido exhibir una "hoja de servicios" como la de Ella Fitzgerald. Cantante insuperable de bigband, se encuentra igualmente a sus anchas en un contexto musical mas reducido, en directo o en pequeños clubes, en trío con el clásico formato de piano, contrabajo y batería y ser además la mejor interprete de standars, baladas, blues, canciones infantiles o incluso de bossa-nova.

     Todos esos momentos mágicos constituyen un monumento artístico del jazz vocal y forman parte del legado musical de una de las mas grandes cantantes de jazz, que sin duda han dado la historia. El propio, Duke Ellington, en su majestuoso "Portrait of Ella Fitzgerald" retrato musical de la cantante, tituló uno de ellos con dos palabras que definen perfectamente el arte de esta mujer excepcional: "....Ella Fitzgerald está más allá de cualquier categoría".

     Ella Fitzgerald, falleció el 15 de junio de 1996. Su muerte, a pesar de ser esperada tras una larga enfermedad, dejó al mundo del jazz paralizado y conmovido. Con su desaparición física, se iba una cantante de jazz inigualable. Nunca nadie superó a Ella, en un escenario, ni habrá nunca, una cantante de jazz que cante el "scat" como ella. Su música, su voz aniñada, su vitalidad, y su capacidad para cantar swing, permanece eternamente entre nosotros.       

CHU BERRY

Leon "Chu" Berry fue uno de los primeros y mas grandes saxofonistas tenores nacidos al calor de la influencia del gran maestro, Coleman Hawkins. Supo no obstante crear su propia personalidad y su legado también ejerció una notable influencia sobre generaciones posteriores. Poseedor de un poderosísimo sonido, aprendió a tocar el saxo en el instituto, y en 1929, con 19 años, ya estaba en Chicago formando parte de la banda de Sammy Stewart. 

     Como muchos otros músicos de provincia, no tardó mucho tiempo en llegar a New York donde Benny Carter le ofreció trabajo. En 1933, se unió a la orquesta de Teddy Hill y en apenas dos años, ya tocaba con las grandas orquestas del jazz negro, incluyendo las dos grandes de la época, la de Duke Ellington y la de Cab Calloway. Conoció al trompetista, Roy Eldridge y ambos se enrolaron en la orquesta de Fletcher Henderson de donde aprendieron a dominar como nadie la sección de vientos. Eldridge se separó de Henderson yéndose a la banda de Benny Goodman y Chu Berry hizo lo propio, incorporándose a la de Cab Calloway.

     Allí permaneció hasta su muerte participando en numerosas "jam sessions" con Teddy Wilson o Billie Holiday. Un fatal accidente de tráfico a la salida de una actuación nocturna fue la causa de su muerte. Tenores con Gene Ammons, Dexter Gordon o Ike Quebec, se declararon alumnos de este gran músico.   

            

BENNY CARTER

 Benny Carter saxofonista alto, arreglista y compositor, ha desarrollado una de las carreras mas gratificantes del mundo del jazz. Ya con sólo 16 años, atrajo la atención del público en 1923 cuando tocaba y actuaba en bandas de New York.

     Con mas de noventa años cumplidos, Benny Carter, ha estado tocando en clubes, festivales y encuentros jazzisticos hasta hace muy poco. Músico polifacético, dotado de una gran técnica y dominador de varios instrumentos, ya fue en la época del swing un extraordinario arreglista y compositor. Su orquesta, en el periodo mas brillante del swing, fue sin duda un punto de referencia indiscutible en la historia del jazz. Adoptó como instrumento preferido el saxo alto y fue junto al excepcional, Johnny Hodges, el punto de referencia antes de la aparición en escena del genial, Charlie Parker. 

     Entre 1923 y 1928, tocó en numerosas bandas en Harlem y ya en 1929, formaba parte de la orquesta de Fletcher Henderson, donde se encargaba magistralmente de los arreglos. En 1932, formó su propia orquesta por donde pasaron, ni mas ni menos que: Ben Webster, Teddy Wilson, Big Sid Catlett o Chu Berry. En 1934 viajó por primera vez a Europa ya consolidado como un excelente músico y actuó en Londres, Paris y Escandinavia. Regresó a los EE.UU., en 1938 y su banda estuvo tocando en el Savoy Ballroom hasta 1940 cuando llegó la declive de las bigbands.

     Durante la década de los cincuenta, participó en numerosos espectáculos y conciertos por todo el mundo de la mano del JATP del empresario Norman Granz. Sus grabaciones en Europa y en los Estados Unidos son un testimonio inigualable del arte musical de un músico que puede ser considerado sin ninguna duda, como uno de los grandes maestros del jazz.  Poseía un tono musical arrebatadoramente denso, un impecable sentido del ritmo y un fraseo excepcional y sus últimos años de actividad, los dedicó a la educación musical en la Universidad de Princenton.

     Benny Carter, falleció el 13 de julio de 2003, en un Hospital de Los Ángeles.